Groupe Parisien des X

PROGRAMME DES ACTIVITES CULTURELLES

Les heures indiquées ci-dessus sont les heures de début de visite ou de visioconférence.

Heures de rendez-vous : prévoir 1/2 h avant l'heure de début de visite, pour les visites d'exposition ou de monument et 1/4 h pour les visites de quartier ou les visioconférences

Passe sanitaire et port du masque obligatoires pour les visites d'exposition et de monument. Port du masque obligatoire pour les visites de quartier.

ACTIVITÉS CULTURELLES SEPTEMBRE-OCTOBRE 2022

HENRY KISSINGER :
Une vidéoconférence de Gérard Araud, le lundi 3 octobre 18h

WILLIAM HOGARTH-LE PEINTRE DE LA SATIRE POLITIQUE ET SOCIALE
Une vidéoconférence de Danielle Doré-Petit le mercredi 5 octobre 18h00

PRAGUE LA VILLE AUX MILLE TOURS ET MILLE CLOCHERS
Une vidéoconférence de Pierre-André Hélène le mercredi 12 octobre 18h00

VISITE DE L'ATELIER DU PEINTRE-GRAVEUR-SCULPTEUR BRIGITTE SILHOL
Le mardi 18 octobre à 11h à Ville d'Avray

CYCLE LA SCULPTURE : VOUS CONNAISSEZ ? Session 2
Une vidéoconférence de Emmanuelle Belz le mardi 18 octobre 18h

ACTIVITÉS CULTURELLES NOVEMBRE 2022-JANVIER 2023

-DANTE ET SON INFLUENCE POSTHUME SUR L'ART Mardi 22 novembre 18h00
Une vidéoconférence par Isabelle Girodet

-L'ARGENT DANS L'ART Mardi 29 novembre 18h00
Une vidéoconférence par Vanessa Badré

-ALICE NEEL Mercredi 7 décembre 11h30
Une visite au Centre Pompidou avec Isabelle Girodet

-LE PALAIS DU LOUVRE Mercredi 7 décembre 18h00
Une vidéoconférence par Pierre-André Hélène

-EXPOSITION LES CHOSES Mercredi 14 décembre 11h00
Une visite au Louvre avec Hélène Norloff

-WILLIAM HOGARTH Jeudi 5 janvier 18h00
Une vidéoconférence par Danielle Doré-Petit

-WALTER SICKERT mercredi 11 janvier 2023 11h15
Une visite au Petit Palais

-ART DECO FRANCE-AMERIQUE Mercredi 18 janvier 11h15
Une visite à la Cité de l'Architecture avec Hélène Norloff

-LA SCULTURE,VOUS CONNAISSEZ Mardi 24 janvier 18h00
Une vidéoconférence de Emmanuelle Belz

LES USINES NE SONT PLUS CE QU'ELLES ETAIENT

L'usine a bien changé,....et c'est tant mieux

L'évolution du travail dans les usines Renault de 1975 à nos jours...

Conférencier : Patrice André, ancien élève de l'Ecole Polytechnique, ancien directeur d'usine chez Renault en France et à l'étranger et directeur central Qualité

Inscriptions à cette visioconférence sur le site, par mail ou en téléphonant au secrétariat du GPX sur le nouveau numéro de téléphone : 07 87 89 49 52

L'ARGENT DANS L'ART PAR VANESSA BADRÉ

Quentin METSYS, Le prêteur et sa femme,

ARGENT, ART et GENS
Qu'est-ce que les images ont à dire sur la relation entre l'homme et l'argent?

La représentation de la monnaie, des billets de banque et des documents financiers dans la peinture occidentale nous en dit long sur la relation ambiguë et ambivalente de l'homme à l'argent.
Instrument de communication, permettant le commerce et la prospérité, l'argent lorsqu'il s'agit d'or gagne une aura mystérieuse qui tient du miracle.
Compté, pesé, échangé, contemplé, les peintres montrent l'usage de l'argent, façonnant les relations humaines dans la société, du mariage à l'entreprise. Une impossible réconciliation des contraires est mise en scène : l'argent isole et peut amener à la perte et pourtant il unit et rassemble.

Entre le XVe et le XVIIe, l'Eglise catholique comme la Réforme protestante ont façonné la production artistique : objet de convoitise ou de dénigrement, l'argent est souvent représenté comme la source de tous les dangers pour le salut de l'âme dans la tradition chrétienne.

Argent mauvais maître et bon serviteur, instrument pour faire le bien, don et contre-don, expression de puissance ou “embarras de richesses” ... : quel est l'enseignement des images sur la relation intemporelle de l'homme à l'argent?

ALICE NEEL AU CENTRE POMPIDOU

Alice Neel, née Pennsylvanie le 28 janvier 1900 et morte à New York le 13 octobre 1984, est une peintre figurative américaine, féministe et engagée.

Elle s'intéresse particulièrement aux personnes en marge de la société américaine .

Les peintures d'Alice Neel sont remarquables pour leur utilisation expressionniste de la ligne et de la couleur, la perspicacité psychologique et l'intensité émotionnelle. Elles considérée comme une des plus grands portraitistes du xxe siècle

Alice Neel croise la cause des femmes, la question des origines et celle de la classe sociale.

« J'ai peint les névrotiques, les fous et les malheureux. J'ai aussi peint les autres, et même quelques gens bien ».
À l'image d'Honoré de Balzac, Alice Neel s'est, elle aussi, improvisée collectionneuse d'âmes, s'efforçant de peindre à son tour La Comédie humaine, dessinant aussi bien la souffrance et la perte que le courage et l'endurance. L'artiste américaine a ainsi, toute sa vie durant, dédié son art aux laissés-pour-compte, privilégiant les perdants et les outsiders qu'elle chérissait tant et ne connaissait que trop bien.
Une icône féministe abîmée par la vie, ignorée de son vivant mais aujourd'hui récompensée par une ambitieuse rétrospective construite autour de l'engagement sans faille de cette militante acharnée, épinglée par le FBI pour son adhésion au parti communiste. Conscient de l'héritage laissé par l'artiste, le Centre Pompidou signe ici un hommage absolument magistral à destination de celle qui fut l'une des premières artistes engagées à s'exprimer sur des sujets aussi variés que le féminisme, le racisme ou l'homophobie.

LE PALAIS DU LOUVRE -VIDÉOCONFÉRENCE AVEC PIERRE-ANDRÉ HÉLÈNE

De Philippe-Auguste à Louis XIV, toute l'histoire de France a traversé le Louvre et son extension, les Tuileries. Evoquons, à travers les siècles et les témoignages de pierre, les appartements royaux et les décors, la vie mouvementée, les amours, les passions, les coups Merci de noter le nouveau numéro de téléphone du GPX : 07 87 89 49 52d'état, les crimes, les fêtes, les grandes décisions dont il fut le cadre.

Merci de noter le nouveau numéro de téléphone du GPX : 07 87 89 49 52

L'EXPOSITION LES CHOSES AU LOUVRE AVEC HÉLÈNE NORLOFF

Les Choses
Une histoire de la nature morte

La nature morte retrouve enfin les honneurs d'une grande exposition parisienne, 70 ans après la dernière rétrospective à l'Orangerie en 1952.
Conçue par Laurence Bertrand Dorléac, cette exposition d'auteure propose une vision nouvelle de ce genre longtemps considéré comme mineur et dont l'intitulé français, né tardivement au XVIIe siècle, n'a jamais satisfait personne. L'expression « nature morte » rend mal compte d'un genre très vivant, qui est, au fond, un agencement de choses en un certain ordre assemblées par l'artiste.

Cette carte blanche réunit près de 170 oeuvres, prêtées par plus de 70 institutions et collections privées parmi les plus prestigieuses. Dans une promenade en quinze séquences chronologiques et thématiques, les oeuvres, représentant tous les médias (de la peinture à la vidéo, en passant par la sculpture, la photographie et le cinéma), dialoguent entre elles, au-delà du temps et de la géographie, jusqu'à l'époque contemporaine.

La représentation des choses, dont on retrouve des témoignages dès la Préhistoire, offre une formidable plongée dans l'histoire. Les artistes ont, en effet, été les premiers à prendre les choses au sérieux. Ils ont reconnu leur présence, les ont rendues vivantes et intéressantes en exaltant leur forme, leur signification, leur pouvoir, leur charme, ont saisi leur faculté à donner forme à nos peurs, à nos croyances, à nos doutes, à nos rêves, à nos désirs, à nos folies.

WILLIAM HOGARTH-LE PEINTRE DE LA SATIRE POLITIQUE ET SOCIALE

William Hogarth, né le 10 novembre 1697 à Londres et mort le 26 octobre 1764 à Chiswick, est un graveur, peintre, et philanthrope anglais.

Enfant de la Glorieuse Révolution, très tôt reconnu par la critique et identifié en France dès 1753 par Denis Diderot comme un brillant esprit, Hogarth est un artiste complet, qui embrassa plusieurs modes d'expression, et dont l'influence se perpétue jusqu'au début du XXIe siècle.
Premier artiste libre et singulier de l'école anglaise de peinture, fondateur de la St Martin's Lane Academy, il n'hésite pas à utiliser la presse et ses réseaux d'amis pour défendre ses idées, tout en exprimant, tant par la plume que par le burin et le pinceau, les errances, les plaisirs et les contradictions morales de son époque.

WALTER SICKERT

Le Petit Palais présente, pour la première fois en France, une grande rétrospective dédiée au peintre anglais Walter Sickert (1860-1942) conçue en partenariat avec la Tate Britain. Cet artiste résolument moderne, aux sujets énigmatiques et souvent déstabilisants, est peu présent dans les collections françaises.
Cette exposition est l'occasion de (re)découvrir cet artiste si singulier qui eut un impact décisif sur la peinture figurative anglaise, notamment sur Lucian Freud.
Très provocateur, dans le contexte d'un art académique anglais relativement corseté, Walter Sickert peint des sujets alors jugés trop audacieux comme des scènes de music-hall ou, plus tard, des nus dés-érotisés, présentés de manière prosaïque dans des intérieurs pauvres de Camden Town.
Ses choix de couleurs aussi virtuoses qu'étranges, hérités de son apprentissage auprès de Whistler, ainsi que ses cadrages déroutants frappent ses contemporains. À partir de 1890, il voyage de plus en plus régulièrement à Paris et à Dieppe jusqu'à s'installer de 1898 à 1905 dans la station balnéaire dont il peint de nombreuses vues.

Il est alors très influencé par la scène artistique française et devient un proche d'Edgar Degas, Jacques-Émile Blanche, Pierre Bonnard, Claude Monet ou encore Camille Pissarro.
De retour à Londres en 1905, il débute sa série des « modern conversation pieces » qui détourne les scènes de genre classique et traditionnel de la peinture anglaise en des tableaux ambigus, menaçants voire sordides dont le plus célèbre exemple est celui de la série des « meurtres de Camden Town ».

À la fin de sa carrière, durant l'entre-deux-guerres, Sickert innove en détournant et transposant en peinture des images de presse, processus largement repris à partir des années 1950 par des artistes comme Andy Warhol.

ART DECO FRANCE-AMÉRIQUE DU NORD

Cette exposition montre comment le style français Art Déco a influencé l'architecture, les décors, le mode de vie et le goût des Américains du Nord. Style populaire, caractérisé notamment par un travail de la ligne, de l'ornementation, des arrondis, ou encore des motifs floraux, l'Art Déco va voyager de la France à l'Amérique du Nord dans un dialogue dynamique porté en particulier par les architectes.
L' émulation réciproque entre la France et l'Amérique connait son point culminant en 1925 lors de l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels à Paris. Une délégation américaine de 104 membres y est envoyée par le secrétariat d'Etat au commerce pour observer ce "nouveau style" résolument moderne.
Les années 20 sont ainsi marquées par les aller-retours : les architectes français qui construisent sur le continent américain sont de plus en plus nombreux (Paul Cret et Jacques Greber à Philadelphie, Jacques Carlu enseigne au MIT...)
Clé de voute de tous les arts, l'architecture entraine des évolutions stylistiques dans de nombreuses professions : peintres, sculpteurs, ensemblier, ferronniers, muralistes font corps avec les bâtiments et accompagnent en la sublimant cette toute nouvelle architecture.
Cette dynamique est brisée par la crise économique de 1929, les architectes français rentrent en France.
En 1934, Jacques Carlu se voit confier le projet du palais du Trocadéro et pense sa modernisation en s'appuyant sur ses souvenirs américains.
Les travaux font naître un nouveau bâtiment, l'architecte articule son projet autour de la création d'une esplanade et la percée d'une perspective grandiose sur la ville et la Tour Eiffel, encadrée par un bâtiment aux proportions américaines : l'art déco a retraversé l'océan.

Avec un parcours inédit, s'intéressant à l'architecture, mais aussi à l'ensemble de la vie culturelle et artistique de cette période foisonnante, l'exposition Art Déco France-Amérique du Nord se fait le reflet du dialogue incessant de ces années entre la France et l'Amérique autour du style Art déco.

LA SCULPTURE UNE VIDÉOCONFÉRENCE DE EMMANUELLE BELZ

La peinture vous connaissez bien sûr mais la sculpture ? On l'associe souvent à un art de commande politique ou religieuse, ce qui est vrai dans un certain sens ou à un art qui tente de suivre les évolutions artistiques apportées par la peinture. Dépassons ces idées reçues. Une conférence pour vous y retrouver et vous faire aimer cette expression artistique à part entière.
Depuis l'antiquité, la sculpture a connu 4 révolutions : l'invention du corps, l'apport de la beauté, la transcription de l'émotion à travers un matériau et, la dernière, la liberté dans le choix de la représentation. Nous croiserons Polyclète, Michel-Ange, Rodin, entre autres

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Le matériau utilisé par le sculpteur est équivalent aux couleurs pour le peintre. Marbre, terre cuite, papier, ébène, porcelaine, acier...etc, chaque matière a son histoire et, parfois, sa période.